Quand un artiste crée son propre monde visuel unique, un architecte construit de son environnement, un dramaturge nous plonge dans le monde de ses personnages, un compositeur définit un certain rythme, puis un artiste de théâtre a une tâche globale pour unir la vision créative de tous les participants du spectacle, tout en restant fidèle à lui-même et sa représentation du produit.
Le public oublie où est-il à moment présent, plonge complètement dans le monde des héros. L’artiste décide de ce qui doit être mis en conception sur la scène, de luxe ou minimaliste. Il sait exactement comment créer l’illusion d’un monde imaginaire, il se sent dramaturgie, définit les moyens d’expression qui répondent avec précision la performance. Enfin, il décide de problèmes techniques; si la construction imparfaite du théâtre, il sait comment résoudre l’angle de l’avion au plan de la scène, pour les acteurs ne sont pas «assis» pas «sur le nez» des spectateurs; ajouter de la profondeur à la scène, à considérer tous les points de vue, l’éclairage, les costumes, les positions des acteurs à un moment donné.
L. Bakst. Esquisse pour le ballet «La belle au bois dormant»
Si vous pouviez imaginer la taille d’un scene, il est au moins deux fois plus que ce que nous voyons dans le portail de l’auditorium une vaste zone. Ensuite, un artiste de théâtre est même un monumentaliste. Vraiment, cet artiste est un créateur de titane.
Les artistes de théâtre magnifiques étaient beaucoup a tous les temps, peut-être qu’ils ne sont pas connus largement l’histoire comme les peintres, sculpteurs et architectes. Mais leurs contemporains les appréciaient. Avez-vous déjà vu que le public serait applaudi debout? Leur travail produit souvent un tel effet.
La spécificité d’un peintre théâtral est que le decor n’a pas une longue durée de vie, il est conçu pour les grands espaces. Habituellement, les structures de la décoration de l’espace scénique pliables sont stockés dans des entrepôts, où périssent d’abrasion par un montage et un démontage fréquent. Bien sûr, il ya des croquis, maquettes et costumes que les musées et les collections privées entreposées et exposées eux. Quand nous regardons une partie de ce théâtre accessoires nous essayons d’imaginer l’ampleur de leurs créations et comment ils pourraient impressionner.
1. Le mécanisme de scène pour l’image sur le navire de tangage. 2. La présentation d’Oprah à Turin, 1740. La peinture par Olivero.
Les artistes créent une scène magique et le monde virtuel, sans tout les 3D programmes depuis tout temps. A la Renaissance, quand perspective régnait dans l’art, décors de théâtre avaient profondeurs illusoires de rues entières. Baroque a popularisé les jeux de décor mobiles, il est devenu plus excitant pour le public. Des techniques simples recréés tempête de mer ou les particules en suspension d’anges au-dessus de la scène. Aujourd’hui le travail de l’artiste de théâtre est toujours un travail titanesque, nécessitant grande imagination et d’inspiration. Et les spectateurs applaudissent le decor de la même façon.
1. Le mécanisme du char céleste. 1683. Fig. F Beren 2. Le dispositif pour la visualisation sur les vagues de la mer N. Sabbatini. 1639.
L’une des personnes les plus emblématiques du théâtre et l’art mondial et grand artiste Léon Bakst a dit:
«J’ai souvent remarqué que dans toutes les couleurs, il y a des nuances que véhiculent la sincérité et la modestie, et parfois presque sensualité animale et de qualité, parfois orgueilleux et parfois le désespoir. Tout cela, il peut donner à l’audience par les effets, qui produisent différentes formes. Voilà ce que je l’ai fait dans «Shéhérazade». je mets un bleu foncé sur le vert mélancolique, rempli de désespoir, si elle peut sembler paradoxale. Il y a la couleur rouge et le triomphe de l’assassiner. Il est la couleur bleue de Marie-Madeleine, ou bleu de Messaline. L’artiste, qui sait comment l’utiliser, comme un chef d’orchestre. Il produit le son caractéristique d’un millier par un seul geste de la wand.Thus, l’artiste peut attendre de l’auditoire se sentiraient les impulsions, qu’il (l’artiste) destiné à évoquer. »*
Les esquisses de costumes de Bakst pour «Ballet russe» de Diaghilev à Paris fascinent leur émeute énergie, la passion des couleurs. Ces lignes sont impulsifs, ils courent pour le danseur et répétént ses mouvements. Les tissus de costumes, légers ou lourds, ordinaire ou décoratif, toujours ajoutént des fonctionnalités à la nature des personnages.
1. La conception de costumes pour le ballet Béotiens «Narcisse» 2. La conception de costumes pour le ballet Béotiens «Narcisse» 1911
Léon Bakst étudia à l’Académie de Saint-Pétersbourg des Arts, a rejoint l’association «Monde de l’art» (Mir Iskusstva), ou les gens avec la même passion pour l’art et l’esthétique ont rassemblé à un temps. Ils furent si complètement différent, ils ajoutèrent l’autre et donnèrent une impulsion pour la poursuite des travaux. Il y avait le caractère unique de ce phénomène. La créativité de Bakst a ouvert l’art et de la culture russe en Europe et en Amérique, avec Diaghilev et ces gens talentueux,qui a rassemblé autour de lui. Leurs œuvres ravivé l’intérêt pour la culture russe et même introduit la mode pour tout de russe.
Etant assez réussie portraitiste, et que lui-même a considéré comme un peintre et graphiste, il a atteint le plus haut sommet de sa créativité, à savoir dans la conception de décors et de costumes. Il est arrivé, comme il arrive toujours, par chance. Il fus demandé à la cour impériale à create le décor pour la performance «La fée des poupées». Il devait présenter au Théâtre Hermitage seule fois comme un divertissement léger pour l’empereur, après le souper.
1. Le costume de la poupée-espagnol pour le ballet «La fée des poupées». 2. Le costume de facteur. 3. Scénographie pour le ballet «La fée des poupées». 1903
Mais le spectacle a eu un tel succès qu’il est entré dans le répertoire du Théâtre Mariinsky pour un autre 20 ans. Cette pièce a été présentée même après la révolution. La vie artistique de Léon Bakst comme un artiste de théâtre a commencé à partir de cette performance, qui lui apporta la renommée mondiale à l’avenir.
Alexandre Benois a écrit: «Dans ce domaine, dès les premières étapes, Bakst a pris position carrément dominante et depuis lors, fus resté unique et inégalée».
Mstislav Dobuzhinsky a écrit à propos de cette période: «La pénétration de l’art dans la vie sur la rampe, le reflet du théâtre de la vie quotidienne, son influence sur la mode était cette impression profonde qui a accompagné les grands triomphes de« Russian Seasons «Diaghilev à Paris. Le goût du public suivie pour ces triomphes, dans le plus grand degré de Bakst et pour la nouvelle révélation qu’il a donné à leur beauté exceptionnelle et le charme des performances qui ont frappé non seulement Paris, mais aussi l’ensemble du monde culturel de l’Occident ».
La scénographie pour le ballet «Shéhérazade»
«Je suis à la recherche pour les nuances de la riche, magnifique, éblouissante» – Bakst a dit. Et on a reflète pleinement dans les décors du ballet «Shéhérazade». La couleur a joué un rôle majeur dans la conception de la pièce. Le rouge vif, bleu, ton rose, vert a donné l’impression de richesse et de luxe de l’Orient. Les costumes harmonisées avec des décorations. Bakst a écrit à leur sujet. «L’erreur de penser», a dit l’artiste, que des costumes gagnaient sur un fond neutre. Ils (costumes) obtiennent une centaine de fois plus de force sur un fond lumineux. Il est seulement important de concilier les costumes à l’arrière-plan».
L. Bakst. Le costume pour le ballet «Shéhérazade»
Les photos de T. Karsavina, M. Fokin et V.Fokina dans le ballet «Shéhérazade»
Sauf le ballet «Shéhérazade» dans «Saisons russes» de 1909-10, Bakst participé à la production du ballet «L’Oiseau de feu» de la musique de ce compositeur en herbe, un apprenti de Rimsky-Korsakov, Igor Stravinsky. Diaghilev pourrait découvrir des talents. Initialement, la musique a dû écrire Liadov, mais a ralenti un emploi et Diaghilev a donné de la création des scores peu connu au moment Stravinsky, qui a mis en œuvre avec brio. Fokin a travaillé sur la chorégraphie, Golovin a fait le decor. Ses esquisses ont été prises, mais Diaghilev n’a pas aimé deux costumes – L’Oiseau de feu et Bien-aimée la princesse. Cette œuvre a été commandée Bakst.
L. Bakst. Les costumes pour le ballet «L’Oiseau de feu»
La tenue de L’Oiseau de feu devrait créer l’impression de plumes rougeoyantes, que mettraient en évidence sur le fond du jardin, que Golovin a peint dans des tons bleu foncé. Habituellement, des danseurs dépeignant des oiseaux dansèrent dans des jupes courtes. L’Oiseau de feu de Bakst était différent. Le pantalon de l’orient, la jupe transparente supérieure, avec un décor de plumes de paon, un chapeau haut de forme, richement ornés ont été recueillies dans ce costume.
Les colliers de perles et des bracelets d’or ont complétées l’image étincelante de cette créature magique. En plus de sa gamme jaune et orange déjà ardent de couleurs, il a donné l’effet fantastique.
Bakst a eu un impact non seulement sur les artistes de théâtre depuis de nombreuses années, mais à ce jour les créateurs de mode sont inspirés par son travail et de créer une collections de mode. Alors roi de la mode de Paris Paul Poiret a acheté quelques esquisses du maître. Il y avaient les costumes à la Bakst dans les magasins.
Erté (artiste d’origine russe, qui a vécu à Paris, quand Bakst travaillait) a admis qu’il est tombé sous son influence, et plus tard, Yves Saint Laurent, la grande créatrice de mode, a également consacré beaucoup de travail pour le théâtre et le cinéma a exprimé son admiration pour le travail de Léon Bakst.
Généralement, les artistes de théâtre semblent un peu comme des personnes magiques. Ils visualisent le monde fantastique d’un créateur à travers leur propre vision. Ils rendent l’atmosphère autour de nous faire croire que l’œuvre dramatique prend vie et vient de la scène dans la vie réelle. Et il est fascinant mystère.
Bakst était l’artiste avec une telle force.
* Interview dans «Le New York Times Tribune», le 5 Septembre, de 1915.
