Nuremberg, Augsbourg, Francfort, Paris, Anvers, Londres et Barcelone étaient les plus importants centres de production et de commerce des bijoux.
Sorciers urbains créèrent les véritables chefs-d’œuvre en miniature. De nombreux artistes de renom ont travaillé sur des esquisses de bijoux – Salviati en Italie, en Allemagne Durer. Même, Hans Holbein le Jeune, entré dans l’histoire de l’art comme le grand portraitiste, a été le principal créateur de modèles de parures pour le roi Henry VIII en Angleterre.
1. Hans Holbein le Jeune. Ébauche d’un pendentif, 1533-1536. Plume et encre avec l’aquarelle, 37,3 x 14,3 cm. British Museum, Londres.
2. Francesco Salviati et atelier (Florence 1510-1563 Rome) Conception d’une cassette avec la figure de la Prudence.
3. Hans Holbein le Jeune (1497-1543). La danse de la mort. L’esquisse de la gaine de poignard suisse. c. 1540. Le Kupferstichkabinett. Berlin.
4. Francesco Salviati. (Florence 1510-1563 Rome). Designs pour manches de couteaux, d’après Francesco Salviati. Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum.
L’image typique d’un joaillier du XVI siècle, nous a décrit dans sa biographie de Benvenuto Cellini. Il croyait que le talent de l’artiste est plus évidente, quand il a eu la chance d’être un contemporain de la grande souveraine, intéressé par toutes sortes d’arts.
Par conséquent, des artistes exceptionnels et bijoutiers XVI siècle sous les auspices des hommes les plus riches de leur temps, la plupart des membres de la dynastie régnante, ont établi style de la cour appelée «maniérisme».
Ce style doit de montrer la richesse, le goût raffiné du client et les capacités techniques de l’exécuteur testamentaire. Et bien que de nombreux experts considèrent que Maniérisme est le style de la décadence, le mouvement consciente contre la Renaissance, la réaction qui reflète les tensions et les doutes de l’époque. Mais il a obtenu vaste développement et tourna ses formes extravagantes dans de vrais chefs-d’œuvre de l’art décoratif.
Maîtres de mannerism ont érigé tout d’étrange et incompréhensible et bizarre au rang d’idéal esthétique, ils ont trouvé les moyens les plus appropriés pour mettre en œuvre leurs idées dans les bijoux. Artistes ont inventé non seulement de nouvelles formes et de motifs, mais ils ont modifié les motifs décoratifs qui ont été développés à l’époque précédente de la Renaissance.
1.-6. Christoph Jamnitzer. (1563-1618). Les gravures d’un nouveau livre de Grotesques. Le Musée d’Amsterdam pour l’Art et d’Histoire.
7. Maglioli. Archimboldesque tête. Allemagne, сa 1600. V & A Rechercher les collections
8. Heinrich Aldegrever (ca. 1502-1555 / 1561). Conception ornementale avec une batte dans le Centre, 1550. Le Metropolitan Museum of Art, New York.
Dans apogée du maniérisme des objets utilitaires sont devenu tellement décoratives que parfois ils perdirent leur importance pratique et obtinrent de vrais choses merveilleuses. Par conséquent, le travail le plus caractéristique de bijoux dans cette direction ont été faits pour les collectionneurs et sont destinées à décorer les trésoreries ou soi-disant Kunst und Wunderkammer..
Un grand nombre d’œuvres disparurent dans les guerres du XVIIe siècle, ainsi que l’or cèda la place à des diamants, des œuvres inestimables fondirent pour l’amour de la mode.
Et c’est que il peut être vu dans des collections telles que l’Waddesdon Legs, Pierpont Morgan et Wernher. Ils sont de minuscules vestiges du flot des principale bijoux XVI siècle.
Nous pouvons obtenir un nombre limité d’exemples représentés dans les portraits nobles et commerçants entreprenants. Le matériau de base pour l’étude peut servir de nombreux dessins, des gravures, des livres avec des échantillons de croquis et la collecte d’inventaire.
1-3. Hans Muelich. Jewel livre de la duchesse Anna de Bavière (1550). La Bibliothèque d’État de Bavière. Munich.
4. François Clouet, Elisabeth d’Autriche, reine de France. 1570. Louvre, Paris.
5. Hans Holbein le Jeune. Détail du Portrait de Jane Seymour, reine d’Angleterre, 1536. Kunsthistorisches Museum. Vienne.
6. L’école anglaise, 16ème siècle. Après Anthonis Mor. Portrait de Mary I de l’Angleterre après le motif de visage par. Dans cette version Mary est représentée dans une robe richement brodée avec un col Médicis blackwork bordée et correspondant blouse à col haut, avec un capot français.
Bijoux ont été signés rarement, et le style et la manière de la performance est devenue internationale rapidement. Le débit le plus étendu des produits venait d’Allemagne. En vérité, ce territoire était le pays de l’artisanat dans ce moment-là. Il y avait un grand nombre d’écoles et tendances locales existèrent, est due à la fragmentation des terres allemandes.Ces centres d’art très divisèrent dans le sud et le nord. Sud du pays avait tendance à l’art italien et est devenu sur le chemin d’idées novatrices, la région du nord les perçurent avec un retard.
Augsburg a été connectée avec l’Italie de plus près que l’autre ville de l’Allemagne du Sud. Il a atteint son apogée, grâce au mécénat du duc de Bavière catholique et le clergé supérieurs.
Protestante de Nuremberg eut façon plus difficile du développement, et pour de soutenir la concurrence forte, les maîtres de ce métier antique ont démarré à appliquer des idées novatrices et des techniques artistiques.
Les principaux centres du Nord de l’Allemagne ont été les villes de Lübeck, de Lunenburg et de Hambourg, gravitaient plus à l’école hollandaise. Ils firent des bols et des tasses étranges et extravagantes qui ont atteint jusqu’à la hauteur de la croissance humaine.
Maniérisme comme une tendance dans l’art était une réaction aux principes artistiques de la Renaissance. Les peintres maniéristes utilisèrent des ornements naturalistes, mais en général, mais en général, leur esprit a été attiré à le décor non réaliste et anti classique.
Ils ont développé avec grand plaisir et l’énergie créatrice le thème ornementale dans les comparaisons incroyables et même anormales. Horreur vacui (lat. «La peur du vide» est le remplissage de la surface entière d’un espace ou une œuvre d’art avec des détails.), a été principe fondamental de la théorie du maniérisme.
1. Inconnu orfèvre, Pays-Bas. Couvert doré cup.1604.Silver, hauteur 40 cm. Rijksmuseum, Amsterdam.
2. Christoph Jamnitzer. (1563-1618). Vermeil aiguière, le corps intégrer le bas-relief avec les Triomphes de temps, la vérité, la mort. Kunsthistorisches Museum de Vienne, en Autriche.
L’étude des modèles anciens qui couvraient les voûtes, coulés dans les espaces de la mer – «grottes», a conduit à la grotesque, à l’ornement le plus populaire du XVIe siècle.
Le grotesque a démarré son développement fantastique et pleine. Il a formé des associations surréalistes dans lesquelles les animaux, des légumes, de l’architecture et des éléments abstraits ont été se sont réunis dans un compositions incroyables.
1. Mattias Zunt. La conception de l’aiguière c. Années 1550. Le Kupferstichkabinett. Berlin.
2. Panneau décoratif avec des figures grotesques: conception verticale en quatre niveaux, avec un char tiré par un griffon à la gravure de base, retouchées et légèrement coloré Imprimer faite par: Giovanni Antonio da Brescia italienne. Date1510-1520.
La soif du maniérisme pour les sphères mystérieuses, sombres et en utilisant des formes inhabituelles a reflète dans le choix des matériaux rares et coûteux. Pour créer leurs œuvres, ils ont utilisé activement les métaux précieux, pierres précieuses, bois exotique, coquilles.
1. Wenzel Jamnitzer. Nautilus, argent, doré parcelle, peint, jeté dans la nature, hauteur 18 cm. Kunsthistorisches Museum. Vienne.
2. globes terrestres et célestes (ivoire, or, émail, perles;
hauteur 7 cm), montage: Nuremberg (), autour de 1570 à 1580?. Résidence de Munich
3. Wenzel Jamnitzer. Cruche d’ornement (des coquilles en spirale de nacre de perle,
monture en vermeil, en partie émaillé; hauteur 32,5 cm). Nuremberg, vers 1570. Résidence de Munich.
Les principaux centres de l’artisanat de bijoux ont été les villes du sud de l’Allemagne – Nuremberg, Augsbourg, Munich, Ulm. Le plus important d’entre eux était Nuremberg. Et pas seulement parce que plus de six cents joailliers célèbres avaient travaillé là pendant cent cinquante ans, mais aussi de l’énorme quantité de travail qui a survécu jusqu’à nos jours.
Friedrich Wanderer, Artistes Nuremberg célèbre de l’époque de Dürer. Peinture, c. 1901, Museen der Stadt Nürnberg.
La gloire de bijoux Nuremberg améliora en grande partie par la créativité de Wenzel Jamnitzer, l’un des artistes allemands les plus brillants et originaux qui a travaillé dans le style du maniérisme. Son rôle dans l’art de l’importance de l’Allemagne pourrait être comparé à Benvenuto Cellini en Italie.
Au cours de sa longue vie, il a expérimenté avec de nombreux styles, de la Renaissance et Maniérisme, et se terminant avec le néo-gothique. Il était non seulement un excellent exécuteur mais aussi le créateur des esquisses pour ses œuvres. Une des œuvres remarquables du maître est une partie centrale de la table d’argent, commandé par le maire de Nuremberg. Le tableau n’a pas été conservé, mais le centre de sa composition nous est parvenu en excellent état. L’idée de cette chose a réalisée le programme philosophique. Le centre de la composition est une figure de la Mère Terre, symbolisant la fertilité.
Nicolas de Neufchâtel. Le portrait de bijoutier Wenzel Jamnitzer, vers 1562, musée de Geneve.
La figure de la terre est sur le piédestal entièrement recouverte avec de l’herbe, des fleurs, des lézards et reptiles, moulés directement dans la nature. Herbe et les fleurs étaient si minces qui tremblait même sous un léger contact.
Wenzel Jamnitzer, «Merkel» Décoration de Table. Orfèvrerie, 1549, Amsterdam, Rijksmuseum.
Wenzel Jamnitzer était le seul bijoutier allemand du XVIe siècle, qui était un virtuose de ses propres idées. Au cours de sa longue vie, il a assisté à la création du style maniériste et son sens de la guerre avec les principes de la Renaissance. Mais Jamnitzer était un maître des deux styles. Ses chefs-d’œuvre comprennent, que les caractéristiques de la Renaissance classique et fonctionnalités extravagantes maniéristes.
Ce créateur unique, est devenu célèbre en tant que pionnier dans le côté technique de la bijouterie.Parmi ses innovations ont été le processus de reproduction de l’ornement par des moyens mécaniques, à savoir l’utilisation d’un timbre. Ainsi que son invention de la coulée des herbes, des fleurs, des insectes de la nature. C’est le décor original de ses choses.
Il est impossible d’imaginer une image complète de l’évolution de l’art allemand de la bijouterie maniériste sans mentionner le nom d’Erasmus Hornik.
Cet orfèvre, graveur, ingénieur militaire, enfin, l’artiste a laissé un grand nombre de croquis dessinés à la main et des croquis gravés pour les bijoux. Dans le sens moderne, il peut être appelé l’un des premiers «designer» dans le domaine de la bijouterie.
1. Erasmus Hornick. Conception pour un flacon. mi -XVI siècle. Victoria and Albert Museum.
2. Erasmus Hornick. Conception pour une salière. mi -XVI siècle. Victoria and Albert Museum.
Nous savons peu de faits de sa biographie. Vraisemblablement, il a visité l’Italie. En effet, l’impact des Italiens se sentait dans ses thèmes ornementaux. Il a copié des dessins par le célèbre italien maniériste Francesco Salviati et Giulio Romano avec enthousiasme. Mais en dépit de la dépendance à des sources italiennes, il a développé son propre style.
Il ya plusieurs albums dans ses dessins. La plus grande collection est dans le musée Victoria and Albert. Les peintures les plus intéressantes de cet album sont des esquisses de salières.
Surtout, cet objet utilitaire signifiait la richesse et un statut spécial de l’hôte. Les plus célèbres salières existantes ont été faites par Benvenuto Cellini pour le roi français François I.Le thème de la décoration est liée comme les Italiens et Hornik avec des symboles de l’eau salée. Par exemple, la figure de Neptune est dans un char conduit par des chevaux marins ou Aphrodite dans une coque dessinée par les dauphins, est représenté dans le esquisse ci-dessus.
Hornik était aussi connu comme un bijoutier. La décoration la plus populaire de l’époque étaient des pendants. Il a été pleinement démontré la capacité de l’artiste à révéler une variété de sujets en miniature à l’époque du maniérisme. il y avait différents thèmes – mythologiques, bibliques et historiques.
Il y a beaucoup de pendentifs proches du style de Hornik. Comme beaucoup d’autres joailliers de l’époque, le maître aimait à utiliser perles baroques.
il construit un corps de dragons ou sirènes bustes avec leur forme irrégulière avec succès. Le riche combinaison de couleur de l’émail et de pierres précieuses a fait son travaille véritables chefs-d’œuvre.
1. La fin du 16ème siècle pendentif. Le Victoria & Albert Museum
2. Des pendentif flamande sous la forme d’un animal marin en or, émail, précieux Piettre de perles, Scaramazza, 16ème siècle. Christie « s Genève.
3. L’or émaillé bijou PENDENTIF représentant un cheval au galop avec guerrier. Le cheval et le cavalier sont représentés tourné vers la gauche, mais sont exécutées complètement dans la ronde. Allemagne 1526-1575. Musée Anglais. Waddesdon Bequest.
Élégant, gracieux, raffiné, luxueux, avec une storyline compositions complexes, maniérisme dans les bijoux a atteint son apogée, à se transformer en véritables chefs-d’œuvre. L’utilisation de matériaux précieux et exotiques, magistrale application de la machine la plus complexe et profonde programme philosophique – tout cela ne pouvait pas être mieux reflète le manifeste principal du style – «Surprise! ». Pour impressionner le public avec la richesse, le goût raffiné et l’exécution habile.
1. Erasmus Hornick. 1562. Nuremberg. Le Victoria & Albert Museum
2. Des pendentif Néerlandais «Swan». Pays-Bas. 1590. Musée de l’Ermitage. Saint-Pétersbourg.
3. Le pendant. Conception 1582, conçu plus tard. Or, émail, perles. Anvers, Pforzheim Jewellery Museum.
Bien sûr, seuls les membres de la classe supérieure pourrait avoir et de l’ordre des choses dans un tel style. Ils ont attiré peintres éminents, graveurs, sculpteurs pour créer des esquisses pour orfèvres. Et, il est difficile de trouver dans l’histoire de bijoux une période où un artiste et un bijoutier serait si proche dans le partenariat de la production. Peut-être que dans l’ère moderne de l’art «pur» a tourné de nouveau à l’artisanat et il est apparu «design».
1. Le pendentif. Un pendentif, en Italie, de la collection Médicis. c. 1600
2. Le pendentif. Caravel pendentif fin du 16ème siècle, l’or italien, rubis, émeraudes, perles et d’émail Musée de l’Ermitage. Saint-Pétersbourg.
3. Le pendentif. Date de la Justice. ca. 1600 Culture: probablement Sud Moyen Allemand: Gold, en partie émaillé, sertie de diamants et d’émeraudes. Le Metropolitan Museum.
Il est intéressant de regarder des dessins et des gravures, croquis de bijoux dans ce contexte. Peut-être il est l’aube de la profession joaillier-créateur.
Les travaux existants montrent que maniérisme était pas loin de style décadent, comme une longue période il a été jugé. Mais le chemin fantastique, de manière très décorative, extravagant de l’art, dans laquelle il est allé à baroque.
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